Искусство Италии

Арх. Альберти. базилика Сант Андреа, Мантуя, интерьер.

Искусство Италии - визуальные и изящные искусства, знаменитая и важная отрасль истории и культуры народов Аппенинского полуострова.


1. Доисторический период

Жители Аппенин доисторического периода не имели культурной и этнической общности. К северу от реки По обитали племена германцев и галлов. В Сицилии и на юге - были многочисленные колонии греков (так называемая Великая Греция). Единственным автохтонным народом Аппенин были етруски.Культура Древнего Рима ассимилювала и присвоила достижения культур варваров, этрусков и греческих колоний, изготовив из них собственный вариант.

2. Великая Греция

Ахилл и Аякс за игрой. Вазописец Эксекий. Чернофигурная вазопись. Музеи Ватикана, Рим.

Колонизация Южных земель Аппенинского полуострова началась в 8 в. до н.э. Культура, привнесенная греческими колонистами, была частью древнегреческой культуры, о чем свидетельствуют археологические находки. Даже различное происхождение греческих колонистов из разных полис не скрыло их культурное единство. А монументальные сооружения в итальянских Агридженто, Пестуме, Селинунти - важнее достопримечательности, случайно сохранившиеся от тогдашнего греческого мира. Сформировались и развились здесь и собственные керамические центры, свои центры вазописи, важных древнегреческих ремесел. Считается, что чернофигурный вазопись возник в Коринфе около 700 года до н. е. Наибольшее количество керамических изделий из Коринфа нашли при раскопках греческих колоний в Южной Итали, в регионах Этрурии, на острове Сицилия. В 274 до н.е. Пестум был колонизирован латинянами и с этого времени потерял свое значение. Славу Пестуме вернули археологи. 1968 года в Пестуме была обнаружена гробница ("Гробница ныряльщика") с сохраненными фресками (около 470 до н.е.). Это единственный полностью сохранившийся ансамбль древнегреческого фресковой живописи классического периода.

  • Остатки храма Афины

  • Колонны храма Афины из песчаника

  • Итальянская пиния и храм Геры

  • Туристив Пестуме

  • Панкраце морской (морской нарцисс)

  • Храм Посейдона

  • Фасад храма Аполлона

  • В Пестуме весной

Нижняя (Южная) Италия (вместе с Сицилией) в вазописи - единственный регион, который как по своему художественному значению, так и по уровню научной изученности может сравниться с Аттикой. В отличие от аттических, итальянские вазописцы работали преимущественно на местные рынки. За пределами нижней Италии их работы встречаются редко. Первые гончарные мастерские в нижней Италии в середине V в. до н. е. открывали аттические гончары. Местные ремесленники быстро изучили технику гончарных и вазописных работ и вскоре преодолели тематическую и формальную зависимость от аттической вазописи. К концу столетия в Апулии появились так называемые "Роскошный" и "Строгий" стиле. Роскошный стиль проник и в вазописни школы континентальной Италии, которые однако не смогли достичь уровня апулийцив. [1]


3. Раннее средневековье

Добрый пастырь-олицетворение Христа
Евхаристический хлеб и рыба (катакомбы святого Каллиста)

Раннее средневековое мистецт итальянских земель тесно связано как с древнеримским искусством, так и с таеним распространением христианства. Но истоки, корни культурных заимствований достигают в древности, в культуру этрусков, культурное достояние Древней Греции, в античность.

Даже официальное признание христианства в Древнем Риме не принесло резких изменений в формальную составляющую изобразительных искусств, в формы, разработанные в эпоху античности. Об этом свидетельствуют стенописи в катакомбах, что распространились в римских городах с 2 ст. н.э. Значительные - созданные в Риме, где их протяженность достигла ста километров. Многочисленные и хорошо сохранившиеся стенописи станут полезным материалом для ученых, изучающих ранние этапы христианства и раннего этапа средневекового искусства Италии вообще. Искусство катакомб развивалось на протяжении почти трех веков (3 - 5 ст. Н.э.) и, как в металлургической печи, переплавило различные идейные истоки - иудейскую традицию незображувального верховного Бога и античную культуру телесности, ведь Бог принял человеческий облик ради спасения христиан. Стенописи имеют истоки в эллинистическом искусстве с тенденцией к символизму, к переходу даже упрощенным знаков, понятных посвященным. Но этот путь приведет к практическому распада эллинистических схем, несмотря на их совершенство ("добрый пастырь", "рыба" и т.д..)

Еще больше общих черт имели каменные саркофаги, которые изготавливали в тех же второстепенных мастерских как для язычников, так и ранних христиан. Спустя века христианская символика начнет преобладать в их декоре. Христианство требовало общего собрания, возникла потребность в больших помещениях. Отказ от языческих храмов переориентировала христианскую внимание не на сакральные сооружения римлян, а на гражданские постройки - а это базилика и ротонда. Они и становятся распространенным типом первых христианских церквей и в дальнейшем.


4. Милан и Равенна - другие центры средневековой культуры

Церковь Сан Витале, сущий план
Церковь Сан Витале извне.

Распад древнеримской империи был процессом длительным. Расширилось кризис как власти, так и кризис позднеантичных идей и культуры. Даже христианство НЕ укрепляло далекие географические территории. Разграничение становилось все больше с формированием Западной и Восточной империи. Западную имперскую традицию, которую лелеют в Риме, трактуют как временный упадок, а попытки восстановить былое величие на идеях християства делают Св. Феодосий и Св. Амвросий в Милане. Милан между 379 и 402 гг становится ненадолго столицей Западной империи. Именно в Милане строят величественные Апостольскую базилика (конец 4 в.) И церковь Сан Лоренцо Маджоре (5 в. Н.э.)

Милан передал функции столицы городу Равенна, которая станет последним форпостом защиты имперских идей. Переноса столицы сюда способствовали болота вокруг и хорошо окрепший, военный порт Классе. В городе строят базилику Сан Джованни Эванджелиста по образцу миланской церкви Санто-Симпличиано и разрушенное позже церковь Санта Кроче. Сохранилось от Санта Кроче только крестообразная в плане часовня, которую неправильно называют мавзолеем Галлы Плацидии, дочери императора Феодосия и сестры Гонория. На самом деле Галла Плацидия умерла 450 г. в Риме и не была похоронена в Равенне. Внешне маловыразительные, провинциальные стены "мавзолея", выстроенные из красного кирпича, компенсированы роскошным декором - мозаиками, лучшими среди сохранившихся от той эпохи. Небольшие участки мозаик - достаточно привычные и в Риме, и в Милане. В "мавзолее" они покрывают всю поверхность стен и сводов, удивляют яркими красками и отраженным светом, полным символическое значение.

  • Интерьер мавзолея Галлы Плацидии

  • Мавзолей Галлы Плацидии извне

  • Мозаика "Добрый пастырь"

  • Мозаика свода так называемого мавзолея

Столичный блеск Равенны на новом этапе поддержала деятельность императора Теодориха. Теодорих (493-526) был чужаком-остготов, "варваром", которого пленил красотой и роскошью Рим, латинский мир. Поэтому он пригласил в Равенну мастеров из Рима. В Равенне выстроили кафедральный собор (ныне - Санто-Спирито) арианский баптистерий, церковь Сан-Мартино др. Чел д'Оро и прославленную Сант-Аполлинаре Нуово. Последняя - базилика с простыми фасадами и мозаиками в интерьере. Епископ Аньело, который был врагом еретических варваров, стал проводником культурных и идеологических влияний Византии. Это нашло отпечатки в мозаиках девиц и мучеников Сант-Аполлинаре Нуово, похожих с образцами припалацового искусства византийцев. Еще больше византийского в церкви Сан Витале (рукоположена 547 года), так византийский чин Юлиан Аргентарий (императорский казначей и наместник) настоял на построении по образцу церкви Св. Сергия и Вакха в Константинополе. На мозаиках апсиды - Христос земной сфере в окружении ангелов-воинов, св. Витале и епископа Еклезия. Здесь и две мозаики с императором Юстинианом и Феодорой, якобы присутствовать на освящении церкви. Суровые лица земных богов, одежды, шокирующие невиданной роскошью и жемчугом - они олицетворение божественной по происхождению власти и сверхчеловеческой величия. Императорская чета в окружении многочисленных царедворцев несут хлеб и вино для причастия. Аналогов этим мозаикам сейчас просто не существует.

Императиця Феодора мозаика в Сан Витале.

5. Романская эпоха в Италии

Мантуя. Ротонда Сан Лоренцо, 11 века, романский стиль.

Романский стиль (от лат. romanus - римский) - художественный стиль, господствовавший в Европе (преимущественно западной) в X-XII вв. (В некоторых местах - и в XIII в.), Один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства. Полно проявил себя в архитектуре. Термин "романский стиль" ввел в начале. XIX в. Арсисс где Комон, установивший связь архитектуры XI-XII вв. с древнеримской и предшествовавшей готической. Романский стиль в Италии, несмотря на название "римский", имел региональные различия.

Ведущие позиции заняла архитектура - деревянная и каменная. Деревянная практически исчезла, поэтому представление о художественных особенностях суток получаем от исследования каменных сооружений - замков, церквей, соборов, монастырей. Монастырь романской эпохи некоторое время председательствовал, потому что именно монастырское духовенство было главным заказчиком, в руках которых оказались крупные лишние средства, а монахи - выступают образованными знатоками строительного дела и архитекторами.


6. Особенности романской архитектуры

  • В условиях феодальной раздробленности - использовали только местный камень. Это удешевляло строительство, не требовало значительных перевозок - из-за отсутствия дорог, дорог с твердым покрытием.
  • Местный камень и его перевозки не сталкивались с многочисленными таможнями, где требовали плату на всех границах и немногих мостах.
  • Романская архитектура - тяжелая, плотная, с простыми, геометрическими объемами, с малым количеством декора или скульптур, увеличиваются лишь со временем.
  • Еще не существовало стандартных размеров - каменных глыб, колонн, капителей. Каждую капитель делал отдельный ремесленник, примерно зная размеры и детали, существует произвол художника (художественная свобода), что влияет на конечный произведение. Поэтому каждая из них - отдельный, уникальное произведение искусства.
  • Paris-Mus?e national du Moyen-?ge - Chapiteau - Saints militaires - 001.jpg
  • Mnma, capital from catalogne end of XII century 07.JPG
  • Ch?piteau Cluny004.JPG
  • Все - романские капители музея Клюни


7. Культурные особенности романской эпохи

В романскую сутки созрели и значительные культурные особенности.

  • Распространение латыни, которая становится базой для создания национальных языков получат позднее название "романские языки".
  • Латина становится языком межнационального общения и языком тогдашней образования. Западная Европа позаимствовала университет как учебное заведение - богословской, юридической, медицинской и т.п.. Возникают первые западноевропейские университеты (Болонский - 1055 г., Оксфордский 1163 г., Парижский (Сорбонна) - 1180 г., Кембриджский 1209 г., Падуанский 1228) Это заложило значительные культурные различия с Византией и, впоследствии, с восточнославянским миром. Последняя язык межнационального общения взяла на себя церковнославянский, а университет западноевропейского образца так и не сложился к концу 16 - 17 вв. ( Острожская Академия, Виленский университет, Киево-Могилянская акдемия, Львовский университет и т.д.. К середине XVII в. в Украине не было ни одного высшего учебного заведения. Благородная Польша сопротивлялась созданию здесь высшей школы, которая могла бы стать опасным политическим и культурным центром. Украинская молодежь вынуждена была получать высшее образование в стенах Краковского и других европейских университетов.)

В мусульманских странах - арабский язык станет языком образования и межнационального общения.

  • В 11 - 12 веках еще не прошло осознание Западной Европы как отдельного сообщества стран и народов, а уже прошло глубокое различие между Западом и Востоком (Западом - и Византией и славянским миром, Западом - и мусульманским миром). Дошло до настоящего идейного и военного противостояния. Франки и латиняне становятся олицетворением народов западного мира вообще (хотя остаются настоящим конгломератом разных народов), тогда как византийцы (греки, армяне и славяне восточного вероисповедания) Не считаются уже настоящими христианами. Их считают на Западе чем-то средним между христианами и сарацинами, еретиками, ненамного меньше опасными, чем турки. Эти идейные установки достигли высшего развития и выплеснулись в взаимных анафемах и расколе христианства на православия и католицизм 1054, в крестовых походах на Византию и мусульманский мир, в военном захвате крестоносцами Константинополя и создании там Латинской империи ( 1204 - 1261 гг), в экспансии на европейский восток и окатоличивания Польши, Прибалтики, попытках католическими Иерусалим и Палестину, в испанской Реконкисте.
  • Коренным изменилось отношение к труду. Она воспринимается как путь для совершенствования, воспитания, ведет к спасению души. Работа перестала быть непрестижной, недостойной для гражданина (как у римлян), а богатство и стремление его - не воспринимаются грехом. Труд - одна из главных чорнечих добродетелей на Западе.
  • Прогрессивные технологии. Бог создал природные матерал, яки человек способен усовершенствовать, принимая на себя часть божьего духа. Отсюда стремление изучать матерал и совершенствовать их постоянно. Техника еще примитивная, но в Европе она приобретает постоянный прогресса. Способствуют этому и постоянные войны и усовершенствования оружия.

В Византии технику считают тем лучше, чем больше она укладывается в произведенный канон и достаточно полно его воспроизводит веками. А это тормозит прогресс, презирает индивидуализм, идет пренебрежение поисков нового и укрепляет условия для консервативного хранения канонов. Техника на Западе тем лучше, чем она новая и искуснее. Индивидуальная инициатива раскованная даже во временных ограничениях (постоянно обходит), раскованная в каждом отдаленном художественном центре, которых множество в романскую и готическую эпохи по всей Европе (лиможськи эмали, керамические центры Испании и особенно Италии, центры романской архитектуры Франции и Германии, стекло и текстиль Венеции, Аррас Франции и Брабанта, искусство ирландцев, англосаксов и т.д.). Позже это расцветет и взорвется в гуманизме, в ренессансном индивидуализме, в наставлениях итальянского возрождения.

Этих условий не создано и не будет в Византии, исчезнет как государство 1453 г. Славянский мир понесет дальше ограничивающие установки исчезнувшей Византии и практически минует этап возрождения (исключения - Чехия, Польша и Украина в ее составе). В Московии этапа Возрождения и гуманизма не было вообще.


8. Романская архитектура Италии

Средневековая площадь См. в городе Пиза
Остров Мурано, собор Санта-Мария э Донато.
Богородица в соборе Санта-Мария э Донато.

Технически сложным было создание романского собора, ибо главная нава была шире боковых и выше их. В различных романских центрах проблемы сводов и освещение решали по-разному. Крыши на деревянных стропилам были легче каменные, не требовали толстых стен, под ними создавали ряда окон экономило стройматериалы и давало достаточное освещение центрального нефа. Именно так строят большинство сакральных сооружений в Италии, в Саксонии и Чехии, во французской Нормандии. В 11 - 12 вв. возрождаются стенописи и монументальная скульптура, находящихся в упадке. Романская архитектура Италии не имела единого художественного центра, формировалась в условиях обособленности земель, в условиях подражания античным образцам, традиций и техник и значительном влиянии светских тенденций. Среди ее значимых центров - Сицилия и Палермо, Пиза, Ломбардия и Милан, Венеция. Художественная школа в Риме сформируется веками позже и расцветет в 15 -16 веках.

Пиза пережила короткий, но блестящий период подъема в 10-12 веках. Ее подъем базировалось на морской торговле с Константинополем и мусульманскими странами. Энтузиазм от победы над сарацинами 1063 г. побудил увековечить событие созданием нового религиозного центра. Его особенности - расположение не в центре города, а на окраине, на площади Чудес, рядом с путями на Лукку и порт. Новый комплекс сооружений имел и символическое значение - путь человека от рождения, крестин, жизни и к смерти. Отсюда - баптистерий (Баптистерий) собор, колокольня и кладбище под крышей. Хрещальню (по тогдашним требованиям ритуала) строили отдельно от храма, неофиты входили в храм только после крестин. Чрезвычайно эффектно использованы аркады - заложены и открыты. Они и украшают стены снаружи, и визуально облегчают их, особенно баптистерий и цилиндрическую колокольню. Склоненная башня Пизанской колокольни паморочитиме голову не одному поколению архитекторов и инженеров и станет одной из визитных карточек страны.

Значимым центром романской стилистики была Венеция. Тесные связи с Византией способствовали значительным культурным заимствованием, но не сдерживали зависти, конкурентной борьбы и даже агрессии. Заимствования здоровались, но местные культурные задачи решались отдельно и специфично для Венеции. Это хорошо отразилось в создании собора Св. Марка (строительство в 1063-1085 гг, достройки и декор - 13, 14, 15, 17 в.). В его основе - византийская схема, которую окончательно скрыли достройки и поздний декор. В начале 13 в. после разграбления Константинополя, фасад храма украсили как вывезенными колоннами, так и бронзовыми, еще античными фигурами лошадей. Спиритуализм, византийские каноны отброшены ради торжества, декоративнисти, неприкрытой демонстрации военными трофеями.

Худ. Паоло Венециано. Части полиптихи, Музей Марчиано, Венеция.

Более романского, тяжелого и упрощенного - в соборах на острове Торчелло ( 1008 год) и в Каорле, в соборе острова Мурано (12 в.). Заимствования византийских схем характерно для венецианских мозаик.

Мощный толчок к развитию получил и венецианский живопись. В основе - византийский иконопись и его каноны. Но у венецианцев культивируют торжественность, достаточно свободное отношение с каноническими требованиями и яркие краски. Венецианские иконы и похожи, и не похожи с византийскими даже на ранних этапах. Фон может быть золотым и черным, на нем фантазийная архитектура со знаковым изображением даже прославленного Маяка в Александрии Египетской (в Паоло Венециано), одежды священников и святых местные - указание, что это именно католики, а не византийцы (венецианские полиптихи, сцены из жизни св . Джулианы, чудесах св. Марка). Венецианская живопись долго борсатиметься в пределах старых византийских схем и новейших требований, пока не взорвется оригинальностью композиций и деталей в Марко Базаити, Чима да Конельяно, Карпаччо, Джованни Беллини, ранних Джорджоне, Лоренцо Лотто и Тициана, Паоло Веронезе и Тинторетто, которые станут высшим достижением венецианской школы.


9. Особенности итальянской готики

, Флоренция

Собор в Орвието.
Сиенский собор. Западный фасад.
Санта Кроче, Форенция.
Миланский собор.
Алтарь в Санта Кроче.

Искусство заняло замечательное место в сознании и деятельности небольших княжеств Италии. Не только сакральная архитектура, а и создание бронзовых монументов, общественно значимых светских сооружений, фресок, икон - стало предметами внимания как простых людей или купцов, так и чиновников или аристократии, искала политической поддержки и популярности. Уже в 12-13 вв. Византийская империя и арабские страны были значительно ограничены в использовании торговых путей Средиземноморья, которые взяли на себя города Италии. Итальянские города-государства Пиза, Генуя, Венеция очень обогатились в посреднической торговле между странами Востока и слабой Византией и странами Европы. Ремесла расцвели в городах Милан, Сиена, Болонья, Флоренция. Накопленные богатства и были направлены на создание новых величественных соборов, крепостей, замков, дворцов, правительственных зданий. Черты своеобразия имела уже архитектура романской эпохи Италии и так называемый инкрустационный стиль. Последний возник в Италии из-за наличия разноцветных залежей камня и мрамора и через любовь итальянцев к орнаменту. Архитектура 12-13 вв. в Италии не отличалась стилевой единством. Уже первые готические сооружения (Сиенский собор, собор в Орвието), несмотря на внушительные размеры, не имеют мистического направления вверх, а уравновешенные, удивляют сочетанием разноцветных камня с другими средствами декора - мозаиками, тесаными деталями, рельефами. Готические влияния имели место при создании трех известных достопримечательностей Флоренции готической эпохи - это Санта Мария Нуова, церковь Санта Кроче и Санта Репарата (позже переименована в Санта Мария дель Фьоре). Но сразу бросались в глаза разительные отличия. В церкви Санта Кроче (Святого Креста) архитекторы отказались от каменных сводов. Их заменили деревянными балками, облегчило нагрузку крыши на опоры. Столбы опор можно было сделать на большем расстоянии, а саму церковь - шире. Боковые нефы сочетались с центральной, что производило впечатление единого и спокойного интерьера без значительного поезда вверх, присущего соборам Франции и Британии. В конце 13 в. начато строительство главного собора Флоренции - Санта Репарата. Проект сооружения создал архитектор Арнольфо ди Камбио, причастен к проекту и строительству и церкви Санта Кроче. Создание гигантского (153 м длиной) собора имело целью сравнить флорентийский собор с готическими соборами других стран. Собор запланировано настолько большим, что в реальности выстроили значительно короче в длину при сохранении проектной ширины в 40, 6 метра.

  • Санта Кроче, интерьер.

  • Санта Мария дель Фьоре. интерьер.

Понятное построение и "зальнисть" присуща и интерьера Санта Репараты, несмотря на готичность столбов и каменные своды без обильного рисунке нервюр. Различия были и в отсутствии привычного трансепта и середхрестя. Вместо него Арнольфо ди Камбио спроектировал огромный восьмиугольный хор, который планировал перекрыть - куполом. Купол - элемент архитектуры, детально разработанный еще архитекторами Древнего Рима. Нечего искать подобного решения в проектах и ​​готических постройках Франции, "родины" готики. Ясными, "зальными", лишенными готической переускладнености выглядят даже планы якобы готических сооружений Флоренции - и Санта Кроче, и Санта Репараты. Еще во времена готики в Тоскане и Флоренции сложились условия для проторенессанса и триумфального развития архитектуры итальянского Возрождения. Купол в сутки готики так и не смогли создать из-за технической сложности задачи. Величественный купол же создадут, но в эпоху Возрождения.

  • Санта Репарата и проект Арнольфо ди Камбио.

  • Нотр Дам в Кутанс, Франция, план.

Наиболее "готической" сооружением Италии стал Миланский собор, сохраняя и готичность и парадоксальность. Этому способствовали и географическая близость столицы Ломбардии во Францию ​​и Германию, и культурные, торговые связи со странами по ту сторону Альп. Большой по размерам (158 м длиной и 58 м в ширину), он был одним из крупнейших храмов Западной Европы и типичным готическим долгостроем. Построение собора растянулась с 1386 года в 1906 - го. По земному плану Миланский собор напоминает сакральные сооружения Германии. Но "немецкий план" сочетается с ломбардского фасадом, изобилует множеством мраморных деталей и украшений. Миланский собор производит впечатление приземистой постройки, несмотря на размеры и масса башен, шпилей и башенок, скрывающие его приземкуватисть. Еще во времена Древнего Рима здесь стоял храм богини Минервы. В средневековья его заменили две церки - Санта Текта и Санта Мария Маджоре, которые окончательно разрушили в 16 в. Высвободившиеся площади и отвели под постройку Миланского собора. Первоначальный план создал архитектор Марко ди Кампионе. По его плану должен появиться комплекс сакральных сооружений, который так и не был реализован. По плану Марко ди Кампионе - собор имел план в виде латинского кресте пять уч. Но на протяжении пятисот пятидесяти лет до построения Миланского собора были причастны сто восемьдесят (180) разных архитекторов, скульпторов, художников, обусловило парадоксальность его построения и декора в разных стилях. В Европе - это самое большое сооружение, вполне выстроена с мрамора.


10. Передвидродження (Проторенессанс)

Монастырь Святого Пантелеймона, Нерези (около Скопье). Византийская фреска "Оплакивание Христа", 1164 год.
Худ. Джотто. Вознесения Св. Иоанна Богослова, часовня Перуцци.

Передвидродження (или Проторенессанс с французского) - важный этап развития итальянской культуры и искусства, который начался в недрах позднего романского стиля и местного варианта готики. По времени - это 13 - 14 вв. Научный термин "Проторенессанс" предложил швейцарский ученый Я. Буркхардт, что заметил новые тенденции в развитии искусства Италии еще 11-13 веков. На этот период на Аппенинах пришлись ускорения исторического процесса, рост городов и активности их жителей, развитие ремесел и ремесленных техник, формирование коммун, успех проводимых антифеодальных реформ.

Формальных изменений и внесения забытых (античных или эллинистических) рис подверглись скульптура, декоративное искусство, стенописи. Ведь древнеримское достояние, античные техники и формы никогда не исчезали с горизонта итальянской культуры. Итальянский готика имеет более упорядоченный и уравновешенный характер, чем у соседних народов (сооружения Арнольфо ди Камбио). Более-менее античные черты присущи "готической" по времени итальянской скульптуре (Никколо Пизано, Якопо делла Кверча).

Живопись, начиная с 12-13 вв., начинает играть все более значимую роль в становлении и развитии европейской художественной культуры. Западноевропейская живопись медленно отходит от статичных застывших схем в сторону еще робкого движения, динамики. К тому же живопись - наиболее приспособлен к передаче любого сюжета или откровенно условной идеи. Византийская художественная традиция еще сохраняет привлекательность западноевропейских художников, но они уже сами способны предложить новые детали, новое понимание пространства и времени, новые композиции, так мало считаются с жесткими канонами.

Черты чрезвычайности и несхожести по сравнению с живописью Византии получил и итальянский живопись - монументальный и станковая, благодаря усилиям Джотто, Ченни ди Пэпо (известного как Чимабуэ) Пьетро Каваллини, Дуччо ди Буонинсенья. Спиритуализм византийских образцов дополняют психологизмом и эмпирическими поисками перспективы, попытками воспроизвести глубину пространства на плоскости стены (поздние стенописи Джотто). Ощутимая правдивость, достоверность и своеобразная чувственность, драматизм были присущи не только персонажам и сценам Джотто или Чимабуэ, а и тогдашней литературе ( поэзия школы "сладостный новый стиль", Данте). Передвидродження - как явление искусства, имело место в истории Италии. Но его наставления не пропали, а нашли поддержку и творческое продолжение в деятельности новых поколений итальянских художников от Мазаччо и Паоло Учелло Микеланджело Буонарроти.


11. Ранний ренессанс

Донателло. Монумент воину Эразмо ди Нарни, Падуя.

11.1. Скульптура

В Италии эпохи раннего Возрождения развитие скульптуры опередил на некоторое время развитие других разновидностей искусства. Скульптура стала доминировать на площадях и в первых образцах загородных вилл, в уютных садах, в украшениях фонтанов. Фонтаны со скульптурами приобрели такую ​​популярность, что итальянская образцы были взяты в сады Англии, Франции, Чехии ( Прага, фонтан в саду Королевского летнего дворца). Поэтический фонтан с небольшой скульптурой стал героем драматических представлений в театре, а образцы фонтанов Италии покупали и вывозили в знатные имения даже в 19 - 20 веках (итальянский фонтан с рельефом амуров, сад и Воронцовский дворец (Алупка) в Крыму, усадьбы в Англии, поместья в США и т.д.). Касалось это и фонтанных скульптур Джованни да Болонья (или Джамболонья) суток маньеризма, мастеров барокко.

Среди выдающихся скульпторов эпохи -


11.2. Драгоценные итальянские фрески

На этапе раннего Возрождения чрезвычайное распространение получил фресковая живопись. Большинство итальянских художников этого периода - именно фрескисты. Творчество некоторых из них мы знаем только благодаря фрескам. Реформы фресковой живописи, созданные Джотто, становятся школой для поколений итальянских художников. Монастыри соревнуются в приглашении на работы известных художников. Фрески-шедевры покрывают как стены старых, еще готических сооружений, так и новых и в провинциях, и в художественных центрах. Фресками украшали как церкви, так и дворцы, церковные и домашние часовни, общественно значимые сооружения, как фасады, так и интерьеры. Сюжеты - Ветхий Завет (Сотворение Адама), сцены жизни Марии и стасти Христовы (Благовещение, Тайная вечеря, Поцелуй Иуды, Распятие, Оплакивание Христа), танец смерти или ее триумф, аллегории ("Аллегория мудрого правления"), мифические персонажи ( Геракл, Сивиллы), батальные сцены ("Победа императора Константина над Максенцием"), фиксация событий папского двора ("Основание Ватиканской библиотеки папой Сикстом IV"), значимые события мелких герцогских дворов и т.п..

Фреска Мазаччо "Чудо с динарий"
Кастаньйо, Тайная вечеря.
Перуджино, Сикстинская часовня, "Христос передает ключи от рая Апостолу Петру".

Среди наиболее значимых фресковые циклы -


11.3. Состояние в архитектуре 15 в.

Купол флорентийского собора
Филарете. Идеальный город Сфорцинда
арх. Б.Роселлино. Город Пьенца, план центра.

Попытки возродить также давньоримску, ордерную архитектуру овладели мыслями нескольких теоретиков и архитекторов-практиков. Еще нет широкого круга заказчиков, не все технические средства разработаны и испытаны. Но возрождение ордерной архитектуры состоялось в теоретических работах Филарете и особенно Альберти. Проектами рестарации разрушенных памятников Древнего Рима выглядит и архитектурный фон многих фресковых циклов италийских художников (в Фра Анжелико, в Филиппо Липпи и Беноццо Гоццоли, в Перуджино). Первоначальная количество чисто ренессансных сооружений - небольшая. Но именно они зададут главное направление развития итальянской архитектуры. Даже купол флорентийского собора Санта Мария дель Фьоре, который современники рассматривали как первый образец ?нового стиля?, был доведен до мирового фонаря только к 1434 года, а полностью выстроен в 1461 -го.

Хронология
  • Воспитательный дом для брошенных внебрачных детей, Флоренция (проект Брунеллески, достроен Франческо делла Луна в 1445 г.)
  • Часовня Пацци (закончена в 1446 г. )
  • Палаццо Ручеллаи (закончен в 1451 г.)
  • ренессансная перебулова монастыря Сан Марко (арх. Микелоццо, закончена в 1452 г. )
  • Палаццо Медичи-Рикарди, (закончен 1460 г.)
  • ренессансные достройки церкви Сан Лоренцо (без фасада, арх. Манетти, 1460 г.)
  • ренессансный фасад церкви Санта Мария Новелла (закончен 1470 г.)
  • Наиболее значимая достопримечательность ренессансной архитектуры в далекой провинции - дворец Федериго да Монтефельтро в горном Урбино (1468 - 1482 гг арх. Лучано да Лаурана)
  • Палаццо Строцци (законченный накануне 1490 г г.)

Реформаторы флорентийской живописи (Мазаччо, Паоло Учелло, Пьеро делла Франческа, Андреа дель Кастаньо) просто не могли войти в новые ренессансные интерьеры, так как их еще не существовало. Вполне средневековой была и осталась архитектура - Сикстинской часовни, где работают Доменико Гирляндайо, Перуджино, Сандро Боттичелли, Пинтуриккьо.

Искусство кватроченто (и шире - искусство возрожденного) - это искусство активных горожан. Теоретики обратились к созданию проектов идеального города - градостроительной идеи создания такого города, достаточно безупречное в аспектах безопасности, архитектурного образа, социального устройства, гармонично совмещено с окружающей средой. При случае эти проекты воплощают в реальность, как было с ансамблевой застройкой города Пьенца, созданного при финансовой поддержке папы римского Пия ИИ, потому что он там родился (арх. Бернардо Роселлини). Ориентировались и на конкретный градостроительный проект при развитии города Феррара - при содействии феррарского герцога Эрколе I (арх. Бьяджо Россетти). Но идея все еще остается утопической.

Однако база для новой архитектуры заложена. От купола флорентийского собора - прямой путь к проекту купола собора Св. Петра в Риме (арх. Микеланджело), ​​а от палаццо Ручеллаи - к величественным дворцов и вилл Рима 16 - 17 вв., к новым достижениям итальянской и европейской архитектуры.


11.4. Возрождение медальерного искусства

Монета, йморвирно сделана Аристотелем Фиораванти. Между 1475-1483 гг

Италия - страна с тысячелетней развитием культуры разных народов. Именно в Италии не забывали мастерство изготовления скульптур из бронзы и литейное дело. Знания в этих областях (при наличии древнеримских образцов медальерной дела) побудило возродить забытое искусство. Для суток итальянского Возрождение становит универсальная лицо мастера, сведущего в различных отраслях. Микеланджело (1475-1564) успешно занимался скульптурой, рисовал фрески, был способным инженером и выдающимся архитектором. Но универсальность началась не с него, а из мастеров предыдущих суток. Среди них подзабытый инженер, архитектор и медальер Аристотель Фиораванти (ок. 1415-бл.1486). Сохранилось монета с надписью "orristoteles" и всадником - рыцарем. Под копытами коня - условное изображение цветка, вероятно, знака Фиораванти. Фиораванти был приглашен в Москву, где мастер построил Успенский собор существует до сих пор.

  • Неизвестный из Флоренции, медаль Козимо Медичи-поковитель (аллегория мудрого правления, до 1469 г.)

  • Алессандро Виттория, п-т Николо Вичентино 1555

  • Неизвестный из Мантуи, Якоба Корреджо, ок. 1500 г

  • Бартоломео Мельйоли, герцог Лодовико ИИ Гонзага, 1475


12. Высокое возрождение

12.1. Состояние в архитектуре

Состояние в архитектуре напоминает подобный же будущих, а не прошлых веков, когда его начало, середина и конец мало похожи или не похожи между собой, несмотря на традицию. На развитие архитектуры значительно повлияли изменении в мировоззрении, изменения художественных стилей и ускорения исторического процесса в Европе в пределах даже одного века, чего еще не было в 12-14 веках.

12.2. Начало 16 века

Медальер Карадоссо, архитектор Донато Браманте, 1506, Национальная галерея искусств, Вашингтон.
Браманте, проект собора Св. Петра, 1-й вариант сооружения.
Церковь Мадонна ди Сан Бьяджо, Монтепульчиано, сущий план и западный фасад.

Конец 15 в. - И начало 16 в архитектуре Италии тесно связаны с творчеством Донато Браманте. Хронологически период Высокого Возрождения был достаточно коротким. Различные исследователи (в зависимости от радикальности оценок) ограничивают его в 15-30 лет. То есть, длинным - он не был, хотя его влияние на художников и искусство эпохи был огромным.

Срок в 30 лет ( 1490 - 1520) достовернее, что показывает истоки достижений Браманте и лучшие их образцы. Он получил должность главного архитектора папы римского Юлия II в и частично превратил разрозненные, хаотичные, еще средневековые по характеру сооружения Ватикана - в единый, художественно выразительный ансамбль (дворы Ватикана, галереи, библиотека, театр под открытым небом, ренессансный сад с партнерами - позже перестроено все, кроме фасадов).

После смерти Браманте в 1514 г. его стилистику в архитектуре удачно продолжали - Рафаэль Санти, Антонио да Сангалло Старший, Бальдассаре Перуцци. В стилистике Высокого Возрождения созданы и архитектурные наброски Леонардо да Винчи (не занимался реальным строительством в это время), и проекты Микеланджело, которого заставят заниматься архитектурой знатные заказчики позже. Срок в 30 лет - женщин для строительства, ибо техника строительства была еще весьма примитивной. Даже сооружения Браманте в Ватикане (корпус библиотеки) обвалились и их восстановили в первоначальных формах позже. Сооружения Высокого Возрождения были величественные, монументальные, удивительно гармоничные - поэтому за 30 лет успели выстроить лишь небольшую их количество. Почти все они возникли в Милане (поодинаки образцы) или в самом Риме или вокруг него, в том числе -

  • интерьер, церковь Санта Мария прессо Сан Сатиро, Милан (Браманте)
  • Фасады Ионического дворике, церковь Сант Амброджо, Милан (Браманте)
  • Палаццо Канчеллерия, Рим (бригада архитекторов)
  • Темпьето, храмик- ротонда во дворике монастыря Сан Пьетро ин Монторио, Рим (Браманте)
  • Двор Бельведера, Ватикан, Рим (Браманте)
  • первый проект собора Св. Петра, Рим (не осуществлен, проект Браманте существенно переработано и изменено)
  • церковь Санта Мария делла Консолационе, тогда
  • Церковь Сан Бьяджо (Монтепульчиано) (Церковь Мадонна ди Сан Бьяджо, арх. Антонио да Сангалло старший)
  • фасады трех дворцов, Рим (Рафаэль Санти)
  • палаццо Пандольфини, Флоренция (проект, Рафаэль Санти)
  • вилла Мадама, (начало постройки, Рафаэль Санти, заброшенная недостроенной)
  • церковь Санта Мария прессо Сан Сатиро, Милан

  • Темпьето, храмик-ротонда во дворике монастыря Сан Пьетро ин Монторио, Рим

  • Палаццо Канчеллерия, Рим

  • Вилла Мадама, Рим, заброшенная недостроенной


12.3. Живопись в период 1490-1520 гг

Поздний автопортрет Доменико Гирляндайо, фреска, 1488

В период 1490-1520 гг живопись Италии переживает настоящий расцвет и высшую фазу своего развития. Еще в полную силу работают талантливые представители кватроченто - Доменико Гирляндайо, Сандро Боттичелли, Перуджино, Джованни Беллини. Но подрос и активно захватывает ведущие позиции в искусстве наглая новое поколение художников, мало считается с живыми авторитетами недавнего художественного прошлого. Их значительно меньше, чем мастеров 15 века ( кватроченто за итальянцами), но их одаренность и мастерство - почти недостижимы. Их перечень не превышает и 10 человек, но все они - огромные таланты, титаны Возрождения, среди которых -

Позднее Возрождение в Венеции добавит еще фигуры Паоло Веронезе и Тинторетто.

Уже при жизни этих мастеров их произведения станут образцами, а картины Леонардо да Винчи, Микеланджело, фрески Рафаэля в Ватикане, картины Джорджоне, портреты работы Тициана и Тинторетто станут школой для поколений художников как в самой Италии, так и далеко за ее пределами, которому бы веку или художественном направлении они ни относились.

  • Битва при Ангиари, копия произведения Леонардо работы Рубенса, Лувр, Париж.

  • Рисунок Микеланджело, Галерея Уффици.

  • Микеланджело, план центрической постройки, каза Буонарротти, Флоренция


12.4. Венецианская живопись 16 века

Паоло Веронезе. "Оплакивание Христа", Эрмитаж.

13. Итальянский маньеризм

Бенвенуто Челлини. "Персей с головой Медузы", Флоренция.
Бенвенуто Челлини. Медаль в честь папы Климента VII.
Гризайль эпохи маньеризма на фасаде дворца Бьянки Капелло

Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение в Франции и других европейских странах. Стиль был также порождением кризисных явлений в общественно-политической сфере, характерных для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью. Иногда начальную фазу маньеризма связывают с ограблением и разрушением Рима в 1527 году немецкими воинами императора Карла V. Самое главное, что маньеризм в заметной форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к "Новой истории".

Кризис папской власти началась задолго до 1527. Ограбление Рима в мае 1527 стало лишь кульминацией давнего процесса. Кризис хорошо чувствовали римские художники, в произведениях которых усилились элементы уныния, разочарования, тревоги, предчувствие катастроф.Митци предыдущего поколения по инерции создают гармоничные образы в стилистике возрождения. Но новое поколение, захваченное разочарованием, следует лишь виртуозную художественную технику и эрудицию, а не гармонию и не стремление к ней. Возникают удлиненные, слишком элегантные фигуры, нервные и тревожные. Фон картин и фресок насыщается фантастической архитектурой с нереальными ступеньками и человеческим толпой, а главные персонажи словно подхваченные тем же стихийным, тревожным движением, и окружение. Художники отказываются изучать натуру как таковую ради изучения художественной манеры прославленных предшественников. В моде - чудаческие композиции, нереальные, ядовитые краски и люди, забыли о радости.

Важной особенностью маньеризма как стиля был его аристократизм, недемократичности, ориентированность на вкусы богатых властителей, вообще припалацовий характер. Главными заказчиками и потребителями искусства маньеризма была церковная и светская аристократия. Неудивительно, что значительные центры маньеризма объединялись при дворе папы римского, герцогского двора во Флоренции, при герцогском дворе в Парме, при королевских дворцах в Фонтенбло ( Франция), Эскориале ( Испания), Праге ( Чехия), Кракове ( Польша).

Маньеризм настоянный на противоречиях, в числе которых - страстное изучение произведений гениев Высокого Возрождения и огромное желание работать в их же манере (отсюда название маньеризм), отказ от наблюдения за природой и поклонение авторитетам, виртуозность исполнения художественного доминанта индивидуализма, высокая образованность мастеров и безудержная фантазийность, теоретические заявления о наследственности своего искусства и при этом чрезвычайная искусственность, капризность художественных манер, почти полный отказ от классических канонов в архитектуре, в композициях картин, потеря гармонии ради диссонансов, тревожности, асимметрии, чрезвычайного влияния на чувства и сознание заказчика и зрителя. Фантазийность даже становилась главной целью художника-виртуоза.

  • Церковь Сан Анжело, Милан

  • Палаццо ди Брера, Милан

  • Палаццо деи Банки, Болонья

  • Палаццо дель Те, Мантуя


14. Регулярные сады Италии

Сад виллы Ланте, фонтан "Четыре мавры"
Вилла д'Эсте в Тиволи

В 16 веке инициатива в создании декоративных садов перешла от Флоренции в Рим. Сюда активно переносили достижения мистецва из других культурных центров Италии - от находок в архитектуре Лучано да Лаурана и Браманте к лучшим достижениям в живописи, скульптуре и садоводстве. В Риме существовал слой образованных заказчиков с большими средствами (папы римские, кардиналы, римская аристократия), готовы потратить эти средства на постройку загородных вилл и садов. Среди первых загородных вилл Рима - Вилла Мадама, вилла Джулия для папы римского Юлия II в (Джулио делла Ровере по итальянски), двор Бельведер с садами, созданный в Ватикане - Браманте. Если вилла Мадама (и ее сад) по разным причинам остались недостроенными, двора Бельведер суждено стать образцом для других садов к его уничтожению. Творческим развитием лучших установок сада Бельведер архитектора Браманте станет сад Виллы Джулия (арх. Джакомо да Виньола). До создания загородных вилл с садами привлекают лучших архитекторов эпохи, которые невольно становятся и ландшафтными архитекторами.

Среди первых, кто заимствует установки декоративных садов Италии - садоводы и архитекторы Франции. Барочном саду французского типа присущи все черты ренессансного и барочного сада Италии. Здесь и ИСПОЛЬЗОВАНИЯ террас и партеров, и водных ресурсов. Но французские сады розплановувалы на небольших холмах, а террасы не были так высоки, как в Италии. Во Франции любили партеры и придумали несколько их разновидностей: партер сухой, водный, партер со скульптурой, партер с арабесками (сложными узорами). Природу активно покоряли геометрическим фигурам (вистигання кустов под конус, шар, стену), ставки в виде зеркал, русла рек в виде прямых каналов и т.д.. Все это подчинено главной доминанте сада - дворца вельможи или короля. Именно во Франции 17 в. сложился завершенный тип садово-паркового ансамбля, получивший название сада французского типа и взял на себя всю славу итальянских образцов.

Чудеса садов эпохи маньеризма и итальянского барокко продолжены в 20 веке, когда создали сад Ла Скарцуола.

  • Вилла Ланцелотти, сад и нимфей

  • Сады Боболи, Флоренция, план

  • Сад Кастелло Русполи Виньягелло, Италия


15. Барокко Италии

Лоренцо Бернини. Колоннада собора Св. Петра в Риме.
Рим. палаццо Памфили и церковь Сан Аньезе др. Ангоне
Барочное Палермо, площадь Претория.

Родина барокко - Италия, где в выдающихся художественных центрах (Риме, Мантуе, меньше в Венеции и Флоренции) произвели первые образцы барокко в архитектуре, скульптуре, живописи. По заключению ученых, барокко - кризисный стиль, возникает на волне кризиса гуманизма и рождение маньеризма. Но это не исключало желание наслаждаться дарами жизни, искусства и природы, широкого использования насилия, работорговли, уничтожение необычных культур или идейных течений как в самой Европе, так и за ее пределами ( Контрреформация, миллионы истребленных индейцев Америки, засилье инквизиции и т.п.). Если Возрождения мало незначительное распространение в странах за пределами Италии, то с эпохи барокко началась настоящая нашествие западноевропейской цивилизации на известный мир и включения в орбиту своих хищнических интересов отдаленных стран и континентов (сутки Великих географических открытий, хищническая колонизация Америки, Южной Азии и т.д.). Основателем барокко в Италии считают Микеланджело Буонаротти (1475-1564). Именно он усилил архитектуру огромным ордером, широко использовал карнизы, удвоение пилястр и колонн, тисниву архитектурных элементов и сверхчеловеческий размер. Скульптурные и архитектурные произведения гения до сих пор производят впечатление скорби, напряжения, нервозности, хотя сохраняют четкое построение, симметрию и потустороннюю, почти невозможную красоту.

Характерна пышность, парадность, яркость цветов, контрастность, экстравагантность орнамента, асимметрия конструкций. В барочной архитектуре господствуют сильные контрасты объемов, преувеличенная пластика фасадов, эффекты светотени и цвета. Живопись и скульптура отмечаются декоративно-театральными композициями, тонкой разработкой колорита и эффектов освещения, усложненной пластикой, парадностью. В музыке - появление оперы, развитие свободного полифонического стиля (в частности в творчестве Палестрины, Иоганна Себастьяна Баха).


15.1. Состояние в архитектуре 17 в. : Бернини и Борромини

Состояние в римской архитектуре 17 в. полностью зависел от противостояния и конкурентной борьбы Бернини и Борромини.

  • Лоренцо Бернини (1598-1680) - стал проводником официальной линии римских пап в искусстве эпохи барокко, позиционував себя как универсальная лицо, способна одинаково плодотворно заниматься живописью, архитектурой и скульптурой. Но он оказался слабым художником, а в архитектуре остался одаренным любителем, способным разработать идею, программу произведения, бросающие все хлопоты по расчетам, инженерному обеспечению реальной воплощению на многочисленные армию скульпторов и архитекторов-помощников собственной римской мастерской. Себе он оставлял огромные гонорары и славу.
  • Франческо Борромини (1599-1667) - занимался только архитектурой, никогда не позиционував себя как личность универсальную. Он - виртуозный архитектор-практик и мастер чертежей архитектора, которыми он плодотворно занимался еще в Милане. Чертежи Борромини не имели себе равных по профессиональному совершенству в Италии 17 века. Вытеснен на обочину архитектурной практики в Риме, мимовли становится архитектором чорнечих орденов. Поэтому его творчество - неоправданно скромен. Но значительная художественная ценность и популярность произведений Боромини пересечет границы Италии и найдет настоящих продолжателей и потомков в творческих личностях, среди которых Николо Микетти (Константиновский дворец, Стрельна, Российская империя) или Ян Блажей Сантини Айхл (Чехия).
  • Сущий план церкви Сант Иво алла Сапиенца и прорисовки свод.

  • Дворик Сант Иво

  • Сант Иво, старинная гравюра 1695

  • Композиция дворца и церкви Сант Иво.


15.2. Итальянский сад барокко

Вилла Альдобрандини (Villa Aldobrandini).

Барочный сад итальянского типа - логическое продолжение сада эпохи Возрождения. Сады Возрождения были еще небольшие по размерам, лишенные великолепия. Использовали фонтан со скульптурой, скамьи, боскеты, горшки с Лимоновым деревьями. Над всем доминировал дворец или вилла. Террасы еще не подвластны единому художественному замыслу, друг другу и дворца. Тиснива застройки в городских крепостных стенах не позволяла создавать сады в городах и они возникают в окрестностях ( сады Боболи во Флоренции) или в сельской местности.

Образцом развитого барочного сада итальянского типа стал ансамбль виллы Альдобрандини в Фраскатти под Римом. Архитектор виллы стал и главным садовником. Джакомо делла Порта (1537-1602) использовал горный склон для создания террас, на которых распланировал и дворец Альдобрандини, и сад. Горный ручей стал украшением каскада, переходящий в большой нимфей, равный по размерам самой вилле. Парковая терраса виллы стала театральным залом для нимфы, прикращеного скульптурами, гротом, лепкой. Грохот воды оживлял все это нагромождение архитектуры и скульптур.

Противоположный фасад виллы удивлял грандиозными размерами и овальными ступеньками величественных размеров, увеличивали и без того большой фасад.


15.3. Итальянские караваджистов


15.4. Представители официальной "Большой манеры"

  • Пьетро да Кортона, "Возвращение Агари", Музей истории искусств, Вена.

  • Аннибале Каррачи. "Куда идешь, Господи?" Нац.галерея, Лондон.

  • Паоло Безенци. "Апостол Петр". Галерея Уффици

  • Джованни Бальоне. "Любовь Божия и любовь профанов"


15.5. Так называемые ?Художники реальности"

  • Эбергард Кейли. "Кружевница"

  • Эбергард Кейли. "Возвращение с охоты", частное собрание

  • Джакомо Черути. "Карлик", частной. сборник.

  • Гаспаре Траверсе. "Если бы молодость знала, если бы старость могла"


16. Искусство Италии в 18 в.

16.1. Позднее барокко

Барокко, родилось и созрело в Италии, задержалось в национальном искусстве дольше, чем в других европейских странах. Понемногу в нем идет накоплений кризисных черт и усталости. Уже в произведениях Карло Маратти (1625-1713) барочный живопись теряет достоинство, правдивость, которые вытесняют бравурность и неискренен патетика. Исследователь Дж. Арган с горечью заметил: "Его живопись на службе у обладателей говорит банальные вещи, прикрываясь авторитетом Рафаэля или Тициана". Но барочный живопись Италии еще не терял способности обновляться и рассказывать о природу, историю и мир человеческих чувств как в произведениях провинциальных мастеров ( Креспи, Витторе Гисланди), так и в декоративной живописи ( Джованни Баттиста Тьеполо). Угасающий барокко надолго удержит свои позиции и в театрально-декорационного искусстве Италии и многих европейских стран ( Андреа Поццо, Фердинандо Бибиена, Джузеппе Валериани).

Но центр художественных поисков в Европе окончательно переходит к Франции.


16.2. Короткое итальянское рококо

Розальба Карьера. "Аллегория весны", 1725

Художники Италии принимали непосредственное участие в рождении и развития стиля рококо. Художница из Венеции Розальба Карьера при поддержке мецената Пьера Кроза перебралась в Париж, где деятельно способствовала развитию стиля вместе с французом Ватто. Стиль оказался прежде всего в ПЛАН и декорации интерьеров ( дворцов, церквей, костелов) в тематическом живописи и портрете. В эпоху рококо скульптура (преимущественно полихромная) стала существенной частью архитектурной композиции, а орнамент (в частности в резьбе) набрал форм раковины ("rocaille"). В сутки рококо широко развилось ремесло - ткачество, ювелирство, фарфор, мебель, гобелены.

Вельможи эпохи рококо поставили цель ежедневные удовольствия. Наслаждениям повини были способствовать роскошные интерьеры дворцов и церквей, роскошные платья, очередь праздников в садах барокко и в павильонах летом, а зимой в дворцах. Излишне использовалась косметика - белила, пудра, румяна, черная краска (труба) для бровей, мушки. Косметику обильно использовали как женщины, так и мужчины. Особое распространение получило использование мушек на лице - расположение мушек имело свое значение для осведомленных в куртуазных играх вельмож. Космополитизм живописи рококо наиболее присущ именно произведениям итальянцев довольно легко пересекали границы различных государств и годами работали по-за пределами Италии ( Якопо Амигони - в Баварии, Лондоне и Мадриде, Бернардо Белотто в Германии и Польше, Пьетро Ротари - в Дрездене, Вене и Петербурге). Но делали это вынужденно, потому раздробленные княжества Италии катились в пропасть политического и экономического кризиса. Для Северной Италии это закончится военным захватом воинами Наполеона, потерей государственности Венецианской республикой и трагическими годами порабощения Австрийской империей к середине 19 в ...


В живописи эпохи рококо преобладали праздники и театральные представления, бесконечные влюбленные пары мифологических персон. В портретах - все подчеркнуто улыбающиеся, приветливые, изящные, но это была маска скрывала многочисленные недостатки и чрезвычайно сложные проблемы. Это был праздник среди чумы - с искусственно отменены проблемами, туберкулезом, сифилисом, бедностью, смертью.

Капризная и странное искусство рококо было отменено новой и мощной волной классицизма конца 18 века и стилем ампир.


16.3. Итальянская светская скульптура 17 - 18 вв.

Ск. Карло Бартоломео Растрелли. Фонтанная скульптура "Тритон с морским чудовищем", восстановлена ​​в 1956 г. за старыми рисунками (скульптор А. Гуржий)

Итальянская скульптура 18 века не получила значительного влияния на художественную ситуацию в стране, как это было во времена Микеланджело или Лоренцо Бернини, Алессандро Альгарди. Председательствуют живопись и архитектура. Скульпторы Италии скованы барочной традиции 17 века, основанной Бернини, Алессандро Альгарди и фламандцем Франсуа Дюкенуа, развивают ее декоративные качества и виртуозность обработки материала. На фоне искусных римских или венецианских мастеров выделяются темперамент и одаренность флорентийца Карло Бартоломео Растрелли, способного работать как с памятниками, так и станковыми образами. Но он вынужден эмигрировать во Францию, а затем в Россию, где станет основателем русской монументальной, портретной и декоративной скульптуры барочного направления.

Но сладкий плен уже произведенных схем и сюжетов поддерживает авторитет итальянских скульпторов, получают заказы и из-за границы. Грубоватый садово-парковую скульптуру веронских, венецианских мастеров вывозят в Польшу, Германию, Австрию, Российскую империю. По иностранным закажите работают - Пьетро Баратта, Антонио Тарсия, Джованни Бонацца, Джованни Дзодзони, Джузеппе Торретто, Джованни Мария Морлейтер, Генри Моренго, Джованни Маркиори, брать Гропелли и ряд второстепенных мастеров.

  • Ск. Морлейтер. Аллегория предохранительности. Большой Гатчинский дворец, Россия.

  • П.Баратта, аллегория "Слава воинам"

  • Ск. Д. Картари. "Амур и Психея", Летний сад (Санкт-Петербург)

  • П.Баратта, аллегория Архитектуры, 1722.


17. Художественный надгробие


17.1. Классицизм

Пиранези. "Порта Маджоре, Рим."
Пьетро Гонзага. Театральная декорация "Мавзолей". Художественный институт Чикаго.

Искусство Италии 18 в. теряет интерес к значимым проблемам действительности и предпочитает декоративности, репрезентативным задачей. Бытовой жанр, такой разнообразный у художников Голландии 17 в. или у англичанина Уильяма Хогарта (1697-1764), у итальянцев - конгломерат забавных сцен, иногда - простых фиксаций неприятной действительности. Уменьшается стоимость даже древнеримской истории, образы которой еще пытаются реабилитировать фрески Джованни Баттиста Тьеполо или гравюры Пиранези. Античность (такая привлекательная на протяжении трех веков) окончательно становится лишь теоретическим идеалом, а также - научным объектом рожденного археологии. Этому способствуют хищнические раскопки давьоримських Помпей и деятельность Иоганна Винкельмана. В Италии везде значительно сокращается строительство, что в свою очередь усиливает эмиграции художников - от Рима и итальянской Швейцарии в разные страны Европы. Архитектура позднего барокко Италии теряет пышный декор и приближается к интернациональным форм классицизма (его новой волны в мистецт 18 в. в виде неоклассицизма). Черты классицизма присущи уже сооружениям недавних сторонников барокко (дворец Реале в Каподимонте, арх. Луиджи Ванвителли, базилика Суперга, Турин, арх. Филиппо Ювара). Упрощенные формы классицизма присущи и немногим виллам страны ( Вилла Манин). Странным образом, лучших образцов классицизма в Италии меньше, чем за рубежом - они в Великобритании, Франции, в Российской империи, где работает армия одаренных итальянских архитекторов (Алессандро Галилеи, Антонио Ринальди, Джакомо Кваренги, Франческо Кампорези, Фердинандо Фуга, Луиджи Руска, Доминик Мерлини, Джакомо Тромбаро), не считая второстепенных.

Среди лучших итальянских художников переходного периода от рококо к классицизму - Помпео Батони. Лучшие черты итальянского классицизма в театрально-декорационного искусстве присущи и итальянцу-эмигранту в Российскую империю - Пьетро Гонзага. Но итальянское искусство этого периода (скульптуры Антонио Кановы, живопись Винченцо Камуччини и Андреа Аппиани) теряет оригинальность и связь с реальностью, скованное неоклассическими идеями Винкельмана и отсутствием патриотических или общественно зачущих идеалов, чего не было в искусстве революционного классицизма Франции.


18. Итальянское искусство 19 в.

На первые места в общественной жизни Италии середины 19 в. вышли не проблемы искусства, а проблемы национально-освободительной борьбы против Австрийской империи, проблема объединения разрозненных земель (мелких государственных образований) в единое государство, как давно произошло в Великобритании, Франции, Российской империи.

18.1. Живопись 2-й половины 19 в

По завершенні процесу з'єднання країни в єдине королівство у художників з міста Флоренція визріло прагнення створити нове творче товариство. Ідейна платформа товариства протистояла і пізньому класицизму, і відірваній від реалій літературності романтизму, і академізму 19 ст., що переживав кризу. Дослідники Італії відносять напрямок до реалізму і попередників імпресіонізму в національному мистецтві. Риси національного реалізму вже мали місце в мистецтві П'ємонту і у неаполітанських художників, найбільш відкритих до новітніх тенденцій західноєвропейського мистецтва. Художник з П'ємонту Антоніо Фонтанезі( 1818-1882 ) був справжнім послідовником нуднуватої манери Каміля Коро, що відвідав Італію. Різноманітнішими були сюжети і твори Джачінто Джиганте (1806-1876) та Філіппо Паліцци (1818-1899). Художники товариства багато зробили для відродження колишньої слави митців Італії і вважаються засновниками сучасного живопису країни. Адже вони намагалися зробити сучаснішою художню мову італійського живопису і підкреслити вартість реальності на відміну від міфілогічних чи літературних сюжетів. В кінці 19 століття уособленням віртуозного буржуазного живопису стануть твори італійця Джованні Болдіні, що працюватиме в Парижі. Традиції національного демокатичного живопису знайдуть краще втіленя в творах Джованні Сегантіні ( 1858-1899 ), відкритого як до реалістичних традицій, так і впливів символизма.


18.2. Скульптура 1-ї і 2-ї половини 19 ст.

ск. Піо Феді,монумент поету Дж.Ніколліні, алегорична скульптура "Вільна Поезія",Санта Кроче, Флоренція 1877 р.

Незважаючи на бум по створенню буржуазних монументів королю Віктору Еммануїлу, Джузеппе Гарібальді і відомим діячам культури Італії, монументальна скульптура переживала ненайкращі часи. Міста Італії вкрила низка помпезних монументів королю, маловиразних - Гарібальді, суто ілюстративних, вульгарно натуралістичних архітекторам, скульпторам, художникам, композиторам, літераторам - Данте, Леонардо да Винчи, Арнольфо ді Камбіо, Джотто тощо. Аби урізноманітніти монументи, деякі з них поєднують з фонтамнами ( Фонтан Гаетано Доніцетті, м. Бергамо ), ставлять в ніші палацових мурів. Реалістично створені рельєфи вояків поєднують з алегоричними скульптурами Італії ( монумент 150 партизанам, загиблим під Ментоною, Мілан) в стилістиці академізму чи ампіру.

  • "Джотто", Уффіці, ск. Джованні Дюпре, 1845 р.

  • "Арнольфо ді Камбіо", Соборна площа, ск. Луїджі Памплоні, 1830 р.

  • Монумент Леонардо в Міліні

  • Ск. Енріко Пацци (1819-1899). Монумент Данте, Флоренція

  • Монумент Дж. Гарібальді, м. Савона.

  • монумент 150 партизанам, загиблим під Ментоною з алегорією Італії, Мілан

  • Фонтан Гаетано Доніцетті, м. Бергамо.

  • Почесне поховання Данте (кенотаф), ск. Стефано Річчі

  • Ск. Луїджі Беллі, автопоррет на монументі з алегорією Італії, 1880 р.

  • Поет Петрарка, ніша палацу Уффіці.

  • Монумент королю Віктору Еммануїлу ІІ, Мілан, ск. Ерколе Роза, 1896 р.

  • Монумент Дж. Гарібальді, м. Чівітавеккья

  • Сатурналії Біонді, скульптурна група 1899 року.


18.3. Сецесія в Мілані і в Італії

  • Вежа "Страсті Христові", Цвинтар, Мілан.

  • Надгробие Артуро Тосканіні, сецесія, ск. Леонардо Бістольфі, 1915 р. В склепі поховано також і Володимира Горовіца.

Дещо особливе місце через надзвичайні форми мала сецесія в Мілані. Бурхливий розвиток промисловості і вивільнені грошові суми новітніх міланських багатіїв викликали до життя форму сецесії, яку іронічно прозивали "ассірійським стилем". Стилістика чудернацьки поєднала пафос( часто порожній ) з декоративністю історизму, потяг до монументальності і психологічний надлом, крайні форми індивідуальних художніх манер. Яскравою пам'яткою доби, повною гарячкуватої метушні і протиріч, став новий міланський цвинтар - Cimitero Monumentale, повний помпезних надгробків і меморіалів, мавзолеїв, саркофагів, прикрашених скульптурами, вітражами, мармуровим чи бронзовим декором, кованим металом тощо.

  • Надгробок родини Каві Буссі

  • Cemetery in Milan (Jewish part)1.JPG
  • Надгробок родини Безенцаніка, ск.Енріко Бутті


19. Декоративно-ужиткове мистецто Італії

Сієна, катедральний собор. Вітраж за картоном Дуччо ді Буонінсенья

На протязі багатьох століть важливою художньою галуззю було також декоративно-ужиткове мистецтво італійців. Історично довга роздрібненість і відокремленість земель сприяли розвитку місцевих художніх центрів. В добу готики набуло поширення виробництво вітражів. Як і у Франції, до створення вітражів в італійських князівствах залучали кращих художників, серед яких -

Традиционно сильным было скловарство и ткачество, производство кружева в Венеции, Приобрели популярность изделия оружейников города Милан или ювелиров Рима. Европейское признание имели итальянские мебель (стулья, столы, свадебные сундуки), изготовленные из древесины ореха, покрытые резьбой.

  • Kulturen Renaissance - Himmelbett mit Wandmalerei.jpg
  • Мебель из Северной Италии. Муузей Виктории и Альберта

  • Шкаф

Якопо Сансовино. Металлический молоточек "Морские Тритон и путти"
Аррас Тривульцио. "Аллегория месяца Марта", Кастелло Сфорцеско, Милан.

В Венеции эпохи Возрождения расцвело изготовления металлических, дверных молоточков. Мастера соревновались в предоставлении изделиям самых разнообразных форм, что подняло бытовую деталь входной двери на уровень справжних изделий высокого искусства.

Особое место заняли мелкие керамические центры, территориально далеки от известных мировых центров - Фаэнца, Дерута, Губбио, Савона, Кастель-Дуранте, Сиена, Урбино. Первые места в 15 веке заняли керамические мастерские Тосканы. Началось производство посуды, тарелей и ваз своеобразных форм, крытых синими узорами. На производство парадного и свадебного посуды перйшлы и в других керамических центрах ( Дерута, Губбио, Савона, Кастель-Дуранте).

  • Савона, изразцы с изображением Св.Барбары, 1530

  • Савона мануфактура Себастьяно Риччи, аптечная ваза

  • Савона, мануфактура Соломон, майоликовые изделия

Цветными росписями покрывали и привычный тогда посуда для аптек. Престижность произведений итальянских художников и граверов отразилась и на декоре керамических изделий. Майстри ( попри самостійні сюжети ) в 16 столітті починають пепеносити на кераміку сюжети з гравюр, хоча й не завжди вдало. Своєрідність притаманна так званим "весільним блюдам", на яких малювали дівочі портрети. Збільшується з часом і асортимент - з'являються великі миски, лохані-холодильники, фляги, вкриті детально розробленим декором та ліпленими деталями.

Поодинакі зразки китайської порцеляни, що потрапили до Італії, викликали захоплення і спроби скопіювати його технології в Флоренції і Савоні. Але якість цих виробів поступалася зразкам Китая чи Японії. Найвдалішим було виробництво італійської порцеляни в місті Неаполь в 18 ст.


19.1. Майоліка з Італії

  • Фаєнца, таріль з гербом 1532 р.

  • Дерута, таріль 1534 р.

  • Ніколо да Урбіно, "Венера", до 1535 р.

  • Франческо Ксанто Авеллі, 1525 р.


19.2. Стекло

20. Італійське мистецтво 20 ст.

Город Савона. Стара фортеця і авангардна скульптура
Стадіон Сан Сіро, Мілан

(в італ. кіно)


20.1. Авангардні течії

Трагічні події 20 століття не кращим чином відбилися на мистецтві, де з неймовірною швидкістю розповсюдились авангардні і руйнівні тенденції. На початку 20 ст. відомим центром авангардних тенденцій став Париж, де співіснують сецесія, пізній символізм, кубізм, сюрреалізм тощо. Саме в Парижі працюють такі різні художні особистості, як італійці Болдіні і Амедео Модільяні. Авангардні течії виникають і в Італії, а творчість Джакомо Балла ( 1871-1958 ), Умберто Боччоні ( 1882-1916 ),Карло Карра ( 1881-1966), Джино Северіні ( 1883-1966 ) схильні вважати італійським внеском в мистецтво 20 ст., що подолало вторинність італійського мистецтва попереднього періоду.

Розпад форм образотворчих мистецтв знайшов крайній вияв в абстракціонізмі і епігонських від нього, дрібних мистецьких напрямках, діяльно підтриманих буржуазними ділками, буржуазними медіа, галеристами і аукціонами в намаганні заробити на мистецтві значні грошові кошти. Дві світові війни обумовили перенос мистецького центру з Парижу в Велику Британію та Сполучені Штати Америки.


20.2. Режим Муссоліні відокремили від пам'яток

Місцеві художні особливості мало мистецтво Італії в добу правління Беніто Муссоліні. Фактом стало усвідомлення і визнання, що в той період було створено чимало споруд, нехай і різної мистецької вартості ( нові споруди Римського університету, сучасна споруда Міністерства закордонних справ тощо ). В 1960-ті роки до влади в парламент Італії прийла команда освічених і висококультурних політиків, що стояла за збереження пам'яток культури і історії як минувшини, так і 20 століття.

Со стороны левых политиков слышались призывы к уничтожению сооружений суток режима Муссолини. Но новое поколение культурных политиков отделила исторические памятники от политики Муссолини (достопримечательности - одно, Режим Муссолини - другое). Ведь сооружения, лишенные идеологической символики, политических Лозунги и прежних функций, могут веками использоваться с новыми функциями при сохранении исторических форм. ( Музыка и архитектура - наиболее аполитичные из видов искусств. ) Позорно и недопустимо призывать сейчас к разрушений языческого храма Пантеон или Колизея, который был фабрикой постоянных убийств. Были приняты соответствующие законы о полном запрете изменений исторических сооружений, признали памятниками истории или архитектуры. Ремонты старинных сооружений постоянно контролируют. Разрушительные изменения форм исторической архитектуры восстанавливают после неудачных изменений, а с виновных - берут флаг ( штраф) в размере суммы, потраченной государством на восстановление исторически первоначального состояния сооружения. Потому историческое наследие Италии принадлежит как итальянцам, так и мира.


20.3. Реалистические традиции в 20 в.

Аугусто Мурер. "Ворота мира" для церкви Сан Пелегрино, Кашиас-ду-Сул, Бразилия

На фоне борьбы с политически реакционным режимом вызревало реалистическое искусство Ренато Гуттузо и ряда итальянских скульпторов нового поколения, среди которых:

  • Франческо Мессина. "Мария"

  • Джино Северини. "Поезд, направляющийся сквозь город"

  • Автопортрет Джакомо Манцу с женщиной-моделью в Бергамо.

Абстрактные формы в живописи и скульптуре культивируют Эмилио Ведова, Армандо Помодоро и др..

  • Сооружение Дворца Юстиции в Ареццо

  • Башня Веласко, Милан

  • Умберто Боччони (1882-1916), Виргилио Брокки 1907 г. Х, г. частное. собр .. jpg

    Умберто Боччони. "Портрет Виргилио Брокки" 1907 г.

  • Умберто Боччони. "Динамическая голова", 1913 г.

  • Умберто Боччони. "Портрет Ферручо Бузони", 1916 г.

  • Умберто Боччони. "Эластичность"


Источники

Итальянский скульптор Джованни Бонацца, "Ночь", скульптура из цикла "Течение времени", 1717 г. Летний сад.
  • Вельфлин Г. Ренессанс и барокко. Пер. с нем. СПБ, 1913
  • Брунов Н. "Рим. Архитектура эпохи барокко", М, 1937 (рус)
  • Алпатов М.В. "Итальянская живопись эпохи Данте и Джотто?, М-Л, 1939
  • Алпатов М.В. Всеобщая история искусства, т. 2. М.-Л., 1949
  • Виппер Б.Р., Борьба течений в итальянском искусстве XVI века (1520-1590), М., 1956
  • Всеобщая история архитектуры, т. 3, М., 1963
  • Всеобщая история искусств, тома 2, 3, 4, М, "Искусство", 1960 - 1962
  • Лазарев В.Н. "Происхождение итальянского возрождения", Т 2, 1959
  • Данилова И.Е. "Итальянская Монументальная живопись. Раннее возрождение", М. "Искусство", 1970
  • "Искусство Италии конца 13-15 веков", М, "Искусство", 1988
  • Арган Джулио Карло, "История итальянского искусства", тома 1, 2, М., "Радуга", 1990
  • Briganti G. La Maniera italiana. - Roma, 1961.
  • Ротенберг Е. И "Искусство Италии 16 века", М, "Искусство", 1967 (рус)
  • Pinelli A. La bella maniera. - Torino, 1993.
  • Афмидентова В.В. "История садово-парковых стилей", М, "Архитектура", 2003 (рус)
  • Чекалов К.А. Маньеризм во французской и итальянской литературах. - М.: ИМЛИ РАН, Наследие. - 2001.
  • Barilli R. Maniera moderna e manierismo. - Milano, 2004.

Примечания

  1. Rolf Hurschmann: Unteritalische Vasenmalerei, в: DNP 12/1 (2002), колонка 1009-1011


См.. также