Надо Знать

добавить знаний



Кубофутуризм



Кубофутуризм - (группировка "Гилея") - течение в российском футуризме, к которой принадлежали Велимир Хлебников, братья Владимир и Давид Бурлюки, В. Каменский, А. Гуро, Н.Гончаровой, О.Розанова, Н.Удальцова, В.Меллер, В. Баранов-Росин, А.Богомазова, O.Екстер, I.Пуни раннее творчество Владимира Маяковского.

О.Богомазов.Трамвай.1914р.

Происхождение

Термин "кубофутуризм" возник из названий двух живописных направлений: французского кубизма и итальянского футуризма, которые, казалось бы, трудно синтезировать. Ведь кубизм, хотя и раскладывал (на "аналитической" стадии своего развития) предметы и фигуры, в целом стремился к конструктивности, к архитектоники. Футуризм же - это чрезвычайная динамика, разрушает конструкцию. Его кумиры - движение, скорость, энергия, он преклоняется перед современной машиной, в которой видит воплощение эстетического идеала. Однако именно украинский авангардные живописцы - при большем тяготении к кубизму - объединились под названием кубофутуризма. Освобождаясь от прямого подражания натуре, художники получили определенную свободу по-своему интерпретировать мир.


История кубофутуризма в Украине

Первую выставку нового искусства в Украине, названную "Ланкой", по воспоминаниям художника Д. Бурлюка, общественность не восприняла, а критика "вызывающе окатила грязью". 1914 новообразованная группа "Кольцо" устроила свою (через мировую войну первую и последнюю) выставку, в которой принял участие 21 художник. В предисловии к каталогу выставки, кроме манифестации основных теоретических положений, было сказано: "Мы доказываем существование в нашем городе творческих сил".

Художник А. Богомазов - поэт по мироощущению и аналитик по складу мышления - уже в 1913-1914 годах создал десятки картин, акварелей и рисунков, в которых ощущается дыхание разных течений начала века - экспрессионизма, неопримитивизму, абстракционизма. Но будучи сторонником и теоретиком кубофутуризма, он пишет трактат "Живопись и элементы - блестящую теоретическую разведку о том, как темп и ритм внешней жизни переводится художественной личностью на язык живописи. "Мир наполнен энергией движения, - рассуждает автор, - и наблюдательный глаз видит динамику даже в статичном предмете (" гора надвигается "," рельсы бегут "," тропа вьется ")". Предмет для кубофутуристов - не инертная материя: "Киев в своем пластическом объеме выполнен прекрасного и разнообразного глубокого динамизма. Здесь улицы упираются в небо, формы напряженные, линии энергичные, они падают, разбиваются, поют и играют". Художник, понимая это, может сымитировать свое переживание с помощью линий и форм. "Человек толкает тачку улице вниз, - объясняет А. Богомазов свою картину с подобным названием. - Длинные прямые линии деревянных ручек, угол, образованный ящиком, подвижная фигура человека и колес создает такой напор движения, что вызывает в соседних домах сопротивление и иллюзию движения, противоположного тачке. Ясно наблюдается, как линии четырехэтажного дома как сопротивляются, меняют свое направление, чтобы устоять и не быть сметены концентрированным движением тачки и человека. "

Трактат А. Богомазова родственный теоретической работой абстракциониста В. Кандинского "О духовном в искусстве" и книгой Глеза-Метценже "О кубизм". Но глубина и убедительность обоснования нового искусства делает его труд беспримерной. О Богомазова говорят, что он поставил кубофутуристической зрение не только художникам, но и поэтам: "Треугольные скалы, призматические круче, зигзаг трещин, чертежей по ним, кристаллы гор, зубчатые и блестящие. Вознесся конус новой горы" - это строки из стихотворения Н. Желаемая о Кавказе.

Как и все кубофутуристи, Богомазов предпочитает урбанистическим сюжетам ("Поезд", "Базар", "Киев. Гончарка"), но в отличие от итальянского футуриста Маринетти, что с горечью хай свою Венецию ("рынок старьевщиков"), от других, кто трактовал тему города как места, где разрушается и гибнет личность, он считал, что ". город бьет личность, но оно же может и выковать и '". Перенапряжен урбанизм французских кубистов и итальянских футуристов в Богомазова смягчался. Темп и теснота города у него сочетается с мягкими движениями людей.

Украинские художники стремились насытить мир кубизма красочностью, почерпнутой из народного творчества - керамики, лубков, икон, вышивок, кукол, ковров, писанок, где хранилась близость к таинственных стихий жизни. Здесь нет прямых стилизаций, однако есть ясная, ритмическая речь цветов, которые звучат громко, локально, наделенные силой, но сохраняют при этом изысканную палитру - сине-фиолетовые гаммы, источник которых, с одной стороны - влияние фиолетовых Избранное М. Врубеля и О . Мурашко, а с другой - колорит древних киевских мозаик.

Яркой художественной личностью был Казимир Малевич, создатель супрематизма. Он хоть и жил большую часть жизни вне Украины, но украинская по происхождению, никогда не порывал связей с ней. Желая выразить "чистое", независимое от материи духовное бытие, художник должен отказаться от земных "ориентиров" и посмотреть на окружающие вещи как из космоса. Поэтому в беспредметных картинах Малевича исчезает представление о земных "верх" и "низ", "левое" и "правый" - все направления равноправны, как во Вселенной, где отсутствует земное притяжение. Художник и теоретически обосновывал свое понимание произведения искусства как самостоятельного планетного мира. Малевич, собственно, создает картину выхода человека в космос (выражение "спутник Земли", кстати, придумал этот художник).

А что означают известные квадраты Малевича - черный, красный, белый? А крест, а круг ? Возможно, в них те психологические архетипы, которые легли когда-то в основу таинственной языка украинских орнаментов, те "эзотерические" знаки, которыми кодировался диалог человека с космосом в древние времена, что и стало, в частности, мотивом вышивок на полотенцах или узоров ковров, писанок. Недаром свой "Красный квадрат" 1915 Малевич характеризовал как "живописный реализм крестьянки в двух измерениях".

К.Малевич.Голова симпатической Дивчини.1912-1913гг.

С конца 1920-х годов Малевич обращается, как и в начале своего пути, в изобразительности, но обогащенной достижениями супрематизма, который помог художнику найти в чистом виду простейшие элементы, которые составляют фундамент художественного образа. Очень точно это подметил В. Шкловский: "супрематистов сделали в искусстве то, что сделано в медицине химиком. Они выделили действующее часть средств".

До позднего Малевича современные искусствоведы добавляют прозвище Мужицкий (по аналогии с Питер Брейгель Старший), поскольку его основными персонажами стали крестьяне. В конце 20-х годов он нашел приют в Киевском художественном институте и начал здесь рисовать синеву неба, поля, как полосатое одеяло, крестьян и крестьянок, которые вобрали в себя черты и энергию всепотужнои природы. Застывшие, напряженные - они не имеют индивидуальных роет, как и природа, что, по выражению художника, "как маска, скрывающая свою многоликость". В целом оптимистичен, его наследие включает и картины, которые можно трактовать как отклик на трагические изменения в крестьянской жизни. Возможно, художник предчувствовал трагедию 1933-го года, потому часто употребляемые им атрибуты этого времени - гроб, крест, сноп. По его эскизу видим крестьянина с крестом распятия на лице, с крестами на "босых ногах и ладонях ритуальное возвышенных рук. Совсем незадолго до Голодомора написан крестьянин с черным лицом, черными руками и ногами, с красно-черным крестом и бело-красным крестообразным мечом. Он бежит разноцветными полосами равнины на фоне синего неба. Несмотря веселые цветные полосы и два супрематические дома - красный и белый - пейзаж дышит какой-то пустотой и безнадежностью.

Непосредственными учениками мастера в Киеве, много работали в направлении возможностей кубизма, конструктивизма, супрематизма, были А. Хвостенко-Хвостов ("Crescendo" из подвижных цветных конструкций), В. Ермилов (оформление площадей и улиц Харькова в революционных праздников, плакаты, интер 'еры). Новейшее искусство творили В. Паульмов ("Рыбалка", "Дачники") Н. Редько ("Свет и тень симметрии", цикл "Електроорганизмы"). Кубофутуристами тією чи іншою мірою були Г. Собачко-Шостак ("Рух кольору", "Тривога"), М. Лисицький ("Композиція"), Д. Бурлюк ("Козак Мамай", "Жнива"), В. Меллер ("Ассирійські пісні"), А. Петрицький ("Ексцентричний танок" "Композиція"). "Футуристичний портрет" написав і один із творців стилю "модерн" Г. Нарбут.

Багато хто з тогочасних художників плідно працював у театрально-декораційному живопису (сценографії). Їм подобалося відтворювати атмосферу якоїсь історичної епохи. Вони то писали сцени життя як театралізовані вистави, то тлумачили дійсність як суцільний театр, де панує не повсякденність, а реальність вищого ґатунку. Блискуче виявив себе у сценографії талант сподвижниці О. Богомазова О. Екстер, яка склалася як художник у Києві, пізніше відкрила художню школу в Одесі, а у 20-ті роки її діяльність пов'язана з паризькою "Академі модерн". Вона уславилася своїми картинами, ескізами, костюмами, декораціями, в яких представлене протистояння трагічних нерозв'язних суперечностей, античне відчуття неможливості упорядкування світу, трепету перед нескінченним хаосом пристрастей і ворогуючих сил. Так у "Сценічних конструкціях до трагедії" (що призначалися не для конкретного спектаклю, а для трагедії взагалі) пластика будується на одночасності двох актуальних тем: грандіозних перекладок, які розходяться променями від двох сходових маршів, вертикальних арок, які постають у них на шляху. Вони не просто існують одночасно, вони начебто встромлюються одна в одну.

Протистояння підкреслюється і кольором: горизонтальна система червона, вертикальні арки чорні, із золотим контуром. Ніяких відтінків, переходів ніяких компромісів, жодна з тем не хоче відступати. Великої емоційної сили творові надає поєднання чорного і червоного традиційне для української кольорової гами (згадаємо вишиванки) поєднання, яке, за В. Кандинським, означає найвищу напругу людських сил, трагізм життя.

Яскраво виразили себе у сценографії й О. Хвостенко-Хвостов (ескіз Декорацій до спектаклю "Містерія-буф", до вагнерівських "Валькірій", ескізи костюмів до харківської постановки опери С. Прокоф'єва "Любов до трьох апельсинів"), В. Меллер (ескізи костюмів до п'єси Карнавал" у київському театрі "Мистецтво дії").

Имел прямое отношение к сценографии и художник Анатоль Петрицкий. Он выполнил поразительные по образностью и безошибочным чувством эпохи театральные костюмы и декорации для курбасовского "Молодого театра", для Музыкальной драмы. Первого театра Украинской советской республики им. Т. Шевченко, театра им. И. Франко, им. Леси Украинский, оперного. Фантазия, "живописность, изысканность колорита отмечали все его работы. Прославился Петрицкий и картинами (" Натурщица "," Инвалиды "), а главное - портретами деятелей украинской культуры. Целое десятилетие (с 1922 г.) он портретировал писателей, композиторов, режиссеров, Политических деятелей. Эта портретная галерея украинской интеллигенции Обозначенная артистизмом, динамической напряженностью героев, острой окрашенности образа, порой напоминает шаржирования. Во всех портретах - обязательный метафорически-ассоциативный ключ к образу. Композитора М. Вериковского, например, изображен в процессе дирижирования - руки композитора акцентированные большим черным пятном, которая, подчеркивая их форму (светлые на черном фоне), создает живописный аккорд, который ассоциируется с аккордом музыкальным. Портрет Хвылевого написан в разгар его травли - менее чем за год до самоубийства. Портрет запомнился многим "трагической тенью на лице" (по словам Т. Масенко).

Дальнейшая судьба портретной галереи Петрицкого, насчитывавшая более 60 произведений, сложилась драматично: если репрессировали героев, сжигались и их портретные изображения. Только часть их сохранилась в музейных фондах или сборниках частных лиц, а некоторые - в фотоотпечатков.

Школа монументального украинского искусства, представлена ​​творчеством Михаила Бойчука и его учеников, вдохновлялась формами византийских икон, религиозного Ренессанса, живописного примитивизма безымянных украинских художников прошлых веков. В основе эстетики тогдашнего монументальной живописи - избежание лишних деталей, случайных, не характерных ракурсов; схематизация, простота, сила и - с чувством веры - величие; обращенность к национальным жемчужин и авангардность художественного языка, которую можно назвать конструктивизмом. Одаренными "бойчукистов" проявили себя В. Сэдлер, И. Падалка, М. Рокицкий, М. Юноша, О. Павленко.

Произведения "бойчукистов" 20-30-х годов: росписи Красноармейских луцких казарм, оформление Киевского оперного театра в I Всеукраинского съезда Советов, Киевского кооперативного института. Всеукраинского крестьянского санатория им. ВУЦИК на Хаджибеевском лимане и Харьковского Червонозаводского театра - первые в советском искусстве значительные монументальные ансамбли. В росписях много плакатность, сильные воздействия традиций иконы, лубка, народных картин, графики и романтических надежд времени. До наших времен остались только обломки наследия М. Бойчука. Вместе с женой он был репрессирован за "иконописный" формализм и "буржуазный национализм".

Украинских живописный авангард, как каждый большой стиль, имеет наднациональный характер. Однако такие его черты, как колористическое богатство (чего мы не найдем ни во французском кубизме, ни в немецком экспрессионизме, где цвет использовали в основном для подчеркивания фактуры, материальности предмета, состояния человека), как присутствие в красках, в формах элементов средневековой иконы (чередование углов и овалов, которые имели священное символическое значение), а также колорит киевских мозаик (с их благородными рубиновыми, изумрудными, золотистыми гаммами, прерываемые темными сгустками красок) и, наконец, декоративность (заимствованная из украинского крестьянского быта, взята от хаты-мазанки ) - вся витальная сила крестьянского искусства придают ему определенной национальной специфики.

Гордостью украинского авангардного искусства также всемирно известный скульптор-кубофутуристов Александр Архипенко (1887 - 1964). С 20-летнего возраста он жил и работал за рубежом, завоевав всеобщее признание, титул "гения скульптуры", проложив дорогу другим выдающимся мастерам - Генри Муру, Джакометти, Калдер и др..

Благодаря своим экспериментам с формой он получил совершенно новый принцип пластического выражения, его самобытность проявила себя уже в первых юношеских работах "Мысль", "Отчаяние", "Запорожец", "Иуда". Архипенко изображал не мыслителя, а мысль, не человека в отчаянии - отчаяние. Экспрессионизм - стремление к обобщенной передачи определенных состояний - заложил основы его дальнейших символизованих безличных образов - "Ребенок", "Негритянка", библейская "Сусанна". Архипенко привлекали образы архаичные, наполненные волей к жизни, эти "половецкие бабы", которые стояли по украинской степи как часовые вечности.

В кубизме его привлекло то, как живописцы работали с формой: подобно поэтов, они рифмовали, ритмизувалы, достигали гармоничного звучания, сопоставляя кубы и овалы. Кубофутуризм Архипенко - это тоже динамика углов, кругов, конусов, ромбов в бесконечном круг-обращения. Он решился на невиданное до вещь: покров радужными цветами грани и плоскости своих скульптур и сделал их формы подвижными. Такой "Пьеро-карусель", в котором вращаются и шатаются все оси этой непоседливой фигуры, составленной из ромбов, кругов, конусов.

Скульптор постоянно экспериментирует, создавая абсолютно новаторские вещи. Так, образ парижского циркача "Медрано" сконструирован из металла, дерева, стекла. Это первый в XX в. "Мобиль" - робот, своеобразная машина для демонстрации переменных наборных цветных изображений, их назвали "архипентурою": этот способ живописи производит впечатление настоящего движения. Здесь главное не сюжет, а постоянная изменчивость. О. Архипенко любил такой материал, как обожженная глина-терракота - за скрытый в ней огонь жизни, теплоту, но одновременно делал скульптуру из плексигласа, подсвеченного изнутри, что придавало скульптурам светозарную прозрачности. Новаторским стало и толкования скульптором пространства между частями скульптуры, которые он сравнивал с музыкальными паузами. В Девятой симфонии Бетховена, пишет он, дважды встречается длинная пауза порождает тайну и напряжения. Использование тишины и звука в симфонии вроде применения значимого пространства и материала в скульптуре. Опираясь на эту концепцию, он начал моделировать пространство и ему удалось достичь своей цели 1913 года в статуе "Женщина, что идет". Метафизическая основа е и у другого изобретения - вогнутости в скульптуре, которые тоже воспринимаются как символы недостающих форм и открыты для ассоциаций и сопоставлений.

В искусстве, считал Архипенко, следует избегать конкретности, чтобы справиться с такими абстрактными элементами, как символ, ассоциация и относительность. Поэтому и избегал этнографизма. Только отдельные детали одежды персонажей или характер орнамента имеют национальную окраску в скульптурах "Жозефина Бонапарт", "Древняя египтянка", "Арабика". Ритмы разных времен и народов, но и украинские исторические глубины даются здесь знать: магия трипольской культуры (фигурки из птицеподобных головами), мотив мозаик Киевской Руси ("Розовый торс на мозаичном фоне"), влияния украинского барокко. Бронзовый бюст - портрет известного в мире дирижера В. Менгельберга (подаренный автором Киеву) выполнен в духе "необарокко": дирижер, переживая бурю бетховенского произведения, выражает страсть, ярость и пафос.

Словно архаичный мастер, великий скульптор насыщал пластические формы магической символикой, его работы будто неоконченной, фрагментарные, не детализированы - а потому и производят впечатление первобытности, вечного творения жизни.

Украинский художественный авангард творил поистине высокое искусство. 10-20-е годы представляют собой целую эпоху в жизни Украины. В этот период истинно ренессансного взлета Украина показала, какое богатство талантов и дарований имеет наш народ. Художники и ученые вдохновенно, упорно работали в разных условиях - и колониального существования в последние имперские годы, и в суровые, жестокие времена войны и революции, и в первые - еще благоприятны для развития национальной культуры - послереволюционные годы; творили чрезвычайно интенсивно и плодотворно (как предчувствуя недолговечность этих условий) науку и искусство высочайшего уровня. Поэтому таким весомым стал тогдашний отечественный доработок и такой значителен его вклад в мировую культуру.


Литература

1. Виппер Ю., Самарин Р. Курс лекций по истории зарубежной литературы ХVII в. - М., 1954.

2. Елизарова М. и др. История зарубежной литературыХИX в. - М., 1961

3. Зарубежная литература средних веков: В 2 Вып. / Сост. Б. Пурышев. - М., 1975.

4. История зарубежной литературы ХИX в. / Под ред. Н. Соловьева. - М., 1986.

5. История римской литературы: В 2 Т. / Под ред. С. Соболевский - М., 1959-1962.

6. Искусство стран и народов мира: Краткая художественная энциклопедия: В 5 т. - М., 1962-1980.

7. Кертман Л. История культуры стран Европы и Америки. 1870-1917. - М., 1987.

8. Куманецкий К. История культуры Древней Греции и Рима. - М., 1990.

9. Литература Средний веков. Хрестоматия. / Сост. Б. Пуришев и Р. Шор. - М., 1953.

10. Модернизм: Анализ и критика основных направлений. - М., 1987.

11. Никитина В., Паевская Е. и др. Книга Древнего Востока. - М., 1962.

12. Рассел Б. История западной философии - М., 1994.

13. Самарин Р. Зарубежная литература. - М., 1987.

14. Стамеров К. Очерки по истории костюмов: В 2 т. - М., 1978.

15.Тойнби А. Дж. Исследование истории: В 2 т. - М., 1995.


код для вставки
Данный текст может содержать ошибки.

скачать

© Надо Знать
написать нам